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PREMIO A LA EXCELENCIA

Loewe Foundation Craft Prize, los valores de la artesanía moderna

La Fundación Loewe creó este premio anual internacional para reconocer la labor de artesanos que combinen ambición artística con voluntad innovadora. Las obras de los finalistas viajan desde Madrid a Tokio, pasando por París y Londres.

Hechosdehoy / Ana María Preckler
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En el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) se ha celebrado durante los meses de abril y mayo una exposición de artesanía con el título Loewe Foundation Craft Prize. Ha sido una exposición digna de mencionar por la importancia de las obras expuestas y por corresponder a una de las actividades de la Fundación Loewe relacionadas con las artes plásticas. Quizá no sean del todo conocidas, y deberían serlo, las actividades de la Fundación que desde hace más de treinta años viene promocionando la poesía, la danza, la música, la arquitectura, la fotografía, el diseño y la artesanía.


La Fundación Loewe promociona la poesía, la danza, la música, la arquitectura, la fotografia, el diseño y la artesanía.
 

Según leemos en el catálogo de la exposición, “fundada como un taller de artesanos en 1846, Loewe ha mantenido un inquebrantable compromiso con la innovación tecnológica sin olvidar las técnicas y la excelencia artesanal. Esta visión ha guiado a la casa de lujo española a través de los siglos”.

“Esta exposición itinerante de piezas realizadas por los 26 finalistas, es un reflejo de los méritos de la artesanía moderna. La imaginación, la diversidad y las técnicas mostradas son prueba del papel fundamental de los artesanos en el constante proceso de construcción de la herencia cultural. Creado por la Fundación Loewe en 2016, Loewe Craft Prize celebra estos valores eternos en su forma contemporánea”.
 
Se trata de un concurso de artesanía dotado con un premio y en la exposición que vamos a detallar se presentan los veintiséis finalistas. Mostrada con gran exquisitez por el Colegio de Arquitectos de Madrid, en la calle de Hortaleza, la muestra se exhibe en un espacio amplio y luminoso, muy acristalado, perfectamente acoplado a la arquitectura contemporánea lo que hace que cada obra esté colocada y ordenada en ese espacio, luciendo con extraordinaria perfección las obras, la mayoría colocada sobre pedestal, permitiendo la visión en derredor de las mismas. En otras ocasiones se hayan colocadas en las paredes por tratarse de telas, o materiales que así lo requieren.


 Vista de la exposición de Madrid.

Durante el siglo XX dos grandes corrientes se establecieron en la arquitectura y en la escultura. El Organicismo y el Racionalismo. En el Racionalismo la función crea el órgano, y en el Organicismo, por el contrario, el órgano crea la función.

De esta forma, en las obras racionalistas, tanto arquitectónicas como escultóricas predominan las líneas rectas y la desornamentación, las líneas son funcionales, el esquema es ortogonal y se crea un espacio desde afuera hacia adentro, es la típica caja cerrada.

En las organicistas, predomina el órgano y el espacio se crea de dentro hacia fuera, adoptando las formas curvilíneas y volumétricas que muchas veces se toman de la propia naturaleza.

Como ejemplo de la arquitectura racionalista tendríamos a Walther Gropius y a Le Corbusier y de la escultura al Constructivismo ruso y al holandés, y a la escultura Mínimal. En el Organicismo destaca el arquitecto Frank Lloyd Wright y los escultores Henry Moore y Jean Arp.

Sirva esta introducción escultórico-arquitectónica como introducción a su vez de las obras de artesanía presentadas en la exposición de la Fundación Loewe, todas ellas organicistas, en las que predomina el órgano a la función, además su forma, en la mayoría de los objetos, es curva, redonda o curvilínea,  informes y asimétricas, predominando en ocasiones el hueco y el vacío, características de las obras orgánicas.


Selva blanca de Chiachio & Giannone, Argentina.

Morfológicamente son en su mayoría pseudo-abstractas o pseudo-figurativas, aún con connotaciones de vida orgánica, como lo fue el Organicismo. En su materia predomina la naturaleza, bien sea inorgánica, en metales como la plata o el oro, bien sea orgánica como la madera, el tejido, la cerámica, la arcilla, las fibras de trigo, el papel o el vidrio soplado, entre otros.
 
Se trata de arte puro, de artesanía pura, del cultivo de los materiales y de su terminado en su máxima pureza. Asombra ver el trabajo y el tratamiento dado a algunas de las obras mostradas, en un trabajo exquisito y exhaustivo de los materiales; como por ejemplo el papel estructurado y ensamblado en pequeños módulos geométricos conformando una abstracción; la madera laminada con forma de ánfora o de grandes platos circulares terminados en plano y con dibujos geométricos.

También el vidrio moldeado como si fuera aire; los tejidos bordados en una especie de horror vacui de elementos florales y animales de gran colorido; la cerámica que en su morfología recuerda obras primitivistas; las cerámica y porcelana de formas redondeadas a la manera del escultor vanguardista Jean Arp; el poliuretano con laca japonesa que recuerda una hoja otoñal en su levedad dibujística, etc…  En definitiva, una exposición que toda ella es un premio a la excelencia, a la técnica  y a la belleza. Una delicia para los sentidos.
 
Citamos algunas de las obras, que se pueden también contemplar en Loewe Craft Prize. En primer lugar la obra ganadora, Tree of Life 2, 2016 de Ernst Gamperl, Alemania, Ebanista, “contenedor de madera extraído de un roble de 300 años arrancado por una tormenta que toma sus líneas de diseño de las formas, las fisuras y las fracturas del árbol original. Plagado de imperfecciones naturales rinde un tributo a la historia de un árbol caído”, según reza el catálogo.

El ganador Ernst Gamperl con Tree of Life 2, 2016.

Otras obras

El Trofeo Loewe Craft Prize, diseñado por Alex Brogden, como un recipiente redondo de plata con ondas en su superficie. Dinosaur, 2016, de Lino Tagliaprieta, Italia, forma abstracta  en vidrio soplado que se eleva como un soplo de brisa en la altura, Murrini multicolor romano. Many & Deliberated, 2016, de Patricia Domíngues, Portugal, gema de lapislázuli reconstruida en morfología abstracta circular.

Winter, 2016, de Sangwoo Kim, República de Corea, cerámica y porcelana de morfología informe voluminosa y redondeada. Esker Vessel, 2016, de Sara Flynn, Irlanda, vasija en porcelana con formas primitivistas. Big Trays of parquetry, 2015, de Shuji Nakagawa, Japón, tres bandejas circulares en madera de cedro japonés donde “la madera se une según unos ángulos y patrones de anillos preexistentes en la madera”.

Structural Blue, 2015, de Yoshiaki Kojiro, Japón.

De polvo de vidrio y polvo de óxido de cobre en forma de cuenco circular en un color precioso azul marino evocador del océano es la obra Structural Blue, 2015, de Yoshiaki Kojiro, Japón. Line and Surface, 2013, de Igawa Takeshi, Japón, forma con la levedad de la hoja caída, en poliuretano, lino y laca japonesa “urushi”. Animal Print, 2010, de Guillermo Álvarez-Charvel, México, papel estructurado en pequeños módulos ensamblados con morfología abstracta. Waiting for Godot, 2015, de Bae Sejin, República de Corea, inspiración libre de la obra de Samuel Beckett  Esperando a Godot, compone un total de 147.167 piezas cerámicas en una morfología redondeada pseudo-abstracta.

Por último, y aún quedan obras por mencionar que se pueden ver por Internet, Tata Curiata, 2016 Artesanías Panikua, México, gran relieve solar circular de fibras de trigo entretejidas en un portentoso trabajo artesanal que representa al dios sol.


Artesanías Panikua, México.

La exposición se presentará en Nueva York (Chamber Gallery. 31 de mayo- 7 de junio), en París (septiembre de 2017), en Tokio (noviembre 2017) y Londres (febrero de 2018).

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